DEL HUMOR A LA CRÍTICA MÁS CORROSIVA

RESEÑA: WILT – TOM SHARPE

Wilt, publicada en 1976, es sin duda una novela de género humorístico, una comedia de enredo disparatado, llena de escenas surrealistas que ha merecido los calificativos de hilarante, irreverente, divertida, escatológica, brillante, amena, entretenida, inteligente y sobre todo reflexiva. Porque Wilt es ante todo, una novela de denuncia de la tontería, esa tontería que a menudo embarga a la sociedad, a la que refleja en un espejo distorsionado para devolvernos una ácida crítica contra el “establisment” británico y la sociedad norteamericana y especialmente contra el sistema educativo, la iglesia, la religión, el sistema policial, el postureo de la modernidad, las filosofías “new age”, la represión sexual y el matrimonio…

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Wilt
Tom Sharpe
2006 Anagrama
1976, 1ª Edición
Trad. J.M. Alvarez Flórez


Todos los personajes de Wilt, en mayor o menor medida, son caricaturas impregnadas de estridencias que contribuyen a mantener el tono irónico durante toda la novela. Algunos personajes femeninos caricaturizados como arpías, obsesas sexuales o de pocas luces, muestran claramente el carácter patriarcal de la sociedad, para criticarla una vez más precisamente por su convencionalismo y su pensamiento dual.
La novela narra la historia de Heny Wilt, un hombre de clase media inglés, condenado a dar clases de humanidades en una escuela de artes y oficios, donde no ve ninguna posibilidad de medrar económicamente hablando y ni siquiera sus alumnos, adolescentes, son capaces de sacar provecho alguno de la lectura de los clásicos que les propone, como El señor de las moscas o El guardián entre el centeno. Y apenas soporta a su mujer, Eva, o al menos eso cree, dado que a la menor oportunidad se dedica a fantasear sobre cómo librarse de ella, fantasía que acabará provocando situaciones rocambolescas que le conducirán hacia el cambio y a un mayor conocimiento y aceptación de sí mismo y de su vida.

Autor reseña: Maite Mateos

RESQUEBRAJANDO LA ACULTURIZACIÓN PATRIARCAL

RESEÑA: LA MUJER ROTA – SIMONE DE BEAUVOIR

Realista, cruda y mordaz. Así es como califican algunos el estilo de Simone de Beauvoir, una autora francesa cuya vida y obra se vio envuelta en el escándalo y la polémica, especialmente desde la publicación del Segundo sexo en 1949, una de las obras fundacionales y canónicas del feminismo.

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La mujer rota
Simone de Beauvoir
1968 1ª Edición
2015 Edhasa
Trad. Dolores Sierra y Nieves Sánchez


La mujer rota, escrita en 1967 y publicada en 1968 es una obra que recopila tres narraciones (La edad de la discreción, Monólogo y La mujer rota, que da título al volumen) bajo tres puntos de vista diferentes, el del narrador interno en primera persona, el del flujo de conciencia y el de un diario. Tres puntos de vista que recogen tres historias protagonizadas por tres mujeres, tres voces femeninas que exponen sus conflictos y que se enfrentan a la soledad, al fracaso, a la vejez o a la ruptura sentimental. Y como no podía ser de otra manera, son narraciones cargadas de crudeza, realismo, angustia y desolación, puesto que Simone de Beauvoir utiliza la literatura para denunciar el tipo de educación patriarcal que inculca los roles de esposa y madre, como si fueran lo único fundamental en la realización de las mujeres, dejando de lado sus posibles roles intelectuales o profesionales. Así es como las tres mujeres protagonistas de La mujer rota han sido sometidas, convertidas en el segundo sexo por la fuerza de la costumbre, por la educación, por el trabajo y principalmente por la violencia psíquica y la opresión. Ser conscientes de esto es el primer paso a dar para conseguir escapar de estructuras sociales y mentales férreamente impuestas y encontrar un camino propio. Las personas deben experimentar su feminidad o su masculinidad, o en definitiva, todas sus diferencias, sin estar sujetas a condicionantes sociales preestablecidos o a normas culturales que atenten contra la individualidad.
La mujer rota, en el momento de su publicación, recibió muy malas críticas literarias, se la calificó de mala literatura e incluso de relatos de novela rosa… Cuando la realidad es que son narraciones muy bien construidas, incluso muy notables literariamente hablando. Y su temática por su puesto está muy alejada del “romanticismo” de una novela rosa. Simone de Beauvoir enfatiza en el mundo interior de tres mujeres, para mostrar así que es el propio mundo interior de ellas, aculturizado por la sociedad patriarcal, la mentalidad dual en la que viven, quien las limita y las encarcela en sí mismas, las convierte en mujeres dependientes, en mujeres rotas.

Autor reseña: Maite Mateos

REBELIÓN CONTRA REBELIÓN

RESEÑA: RÉQUIEM Y OTROS ESCRITOS – ANNA AJMÁTOVA

Gran admiradora de Pushkin, Anna Ajmátova formó parte de la corriente acmeísta, una corriente literaria y poética rusa que defendía, ante todo, la claridad, la frescura y la sobriedad en el lenguaje. Y eso es precisamente lo que transmiten los versos de esta autora que ha llegado a convertirse en un mito de la resistencia y la literatura del siglo XX. Los poemas de Anna Ajmátova derrochan elegancia, nostalgia, clasicismo, culpabilidad, sensibilidad, tragedia, intensidad, reivindicación y desafío.

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Réquiem y otros escritos
Anna Ajmátova
2000 Galaxia Gutemberg
Trad. José Manuel Prieto

En ellos vemos discurrir numerosas relaciones sentimentales entre amantes reales y platónicos, las vivencias de sus sucesivos divorcios, así como el drama y las privaciones que comportaron primero la revolución rusa, la represión de Stalin y por último, las dos guerras mundiales del siglo XX. Acontecimientos todos ellos que condujeron en varias ocasiones a la proscripción de su obra, que había ido adquiriendo un gran reconocimiento. Fue acusada de individualista y de estar alejada de los intereses de las masas, cuando precisamente, Ajmátova afirmaba que la poesía era su manera de conectar con la gente de su tiempo. Una frase, pronunciada por un crítico literario ruso acerca de su obra, acabó por sentenciarla: “Mitad puta que arde de pasión, mitad monja que implora perdón de Dios”.
A pesar de ser una frase que pretendía ser elogiosa, la obra de Ajmátova fue prohibida definitivamente, tras haber sufrido ya una deportación y ante la amenaza de la represión y el hecho de que temiera por la vida de su único hijo, acabó destruyendo ella misma buena parte de sus escritos. Pese a todo, poco después, gracias a la memorización y a sus amigos, vuelve a recomponer su obra, en la que se aprecia una evolución, desde la “frivolidad” y la dulzura hacia la aspereza y la voluntad de convertirse en la voz de la memoria de un pueblo atormentado, en la voz de la tragedia de la conciencia. Sus poemas de madurez reflejan cierto desdoblamiento provocado por un injustificado sentimiento de culpabilidad, por no estar haciendo lo suficiente por cambiar las cosas, por no hacer una auténtica poesía de la rebelión, apelando a la responsabilidad del poeta, del intelectual. Cuando lo cierto es que, tras sufrir a lo largo de su vida toda clase de censuras por prácticamente todas las figuras masculinas que la rodearon (su padre, sus sucesivos maridos, sus parejas sentimentales y su propio hijo…) al margen del Estado, la poesía de Anna Ajmátova es toda una gesta reivindicativa y una auténtica revolución contra la imposición y los convencionalismos.

Autor reseña: Maite Mateos

RECOVECOS DE UN MUNDO SINGULAR Y TRANSGRESOR

RESEÑA: POESÍA COMPLETA – EMILY BRONTË

La poesía de Emily Brontë no es fácil de entender. Es una poesía instintiva, salvaje y hermética cuya clave se halla en la comprensión del mundo de fantasía creado durante su adolescencia junto a su hermana pequeña, Anne. Un mundo plasmado en un cuadernillo doméstico titulado Crónicas de Gondal, del que solo se han recuperado fragmentos en prosa y algunos versos.

E.Bronte

Poesía Completa
Emily Brontë
Alba, 2018
Trad. Xandru Fernández
1ª Publicación: 1846

Un mundo cargado de épica, donde las mujeres tenían el control político, social, económico y cultural. Un mundo lleno de soberanas, héroes y heroínas, batallas, asesinatos, espectros y muchos hechos sangrientos que canalizaban una serie de pasiones como la ira, el resentimiento, la ambición, la envidia, los celos… Con el tiempo, la poesía de Emily se iría cargando de misticismo, de reflexiones, de austeridad, de esperanza y aparentes contradicciones. Son versos llenos de reminiscencias de sus lecturas de Walter Scott, Anne Radcliff, Lord Byron, Keats, Shakespeare, Milton…
La poesía representaba para Emily Brontë mucho más que un simple laboratorio donde experimentar combinaciones de imágenes, metáforas y giros lingüísticos que pondría en práctica en Cumbres Borrascosas. Muchos catalogan la poesía de Emily Brontë de gótica, espectral, post-romántica y es todo eso y mucho más. Para Emily, sus versos eran los recovecos de su mente y sus sentimientos, tal y como le espetó enfurecida a su hermana mayor, Charlotte, cuando la descubrió fisgando entre sus papeles. Pero Charlotte consiguió convencerla de que los publicara, de que formaran parte del volumen de poesías que estaba preparando junto a Anne y que saldría a la luz por primera vez bajo los seudónimos masculinos de Currem, Ellis y Acton Bell.
Emily escribía siguiendo los impulsos de la naturaleza, afirmaba su hermana Charlotte, que definía sus versos como vigorosos y genuinos, condensados y lacónicos, con una música silvestre, melancólica, elevadora…
Realmente, la poesía de Emily Brontë era trasngresora para la época, evocadora y tempestuosa y de una profundidad difícil de penetrar.

Autor reseña: Maite Mateos

CUANDO TODO FORMABA PARTE DE UN TODO

RESEÑA: CUMBRES BORRASCOSAS – EMILY BRONTË

Mucho se ha escrito sobre el género, el estilo y el significado de Cumbres Borrascosas. Se la ha calificado de novela sociológica, enigmática, misteriosa, de psicodrama ontológico y pasión metafísica. Incluso hay quien habla de una especie de cuento de hadas extendido. Y realmente, Cumbres Borrascosas es todo eso y mucho más. De hecho, Emily Brontë, como gran lectora del Paraíso Perdido de Milton, escribió Cumbres Borrascosas obsesionada con el mito de la caída de Adán y Eva, pese a la aparente ausencia de referencias a la obra miltoniana en la novela. Cierto que no hay referencia literal ninguna, y sin embargo, todas las voces narrativas de Cumbres Borrascosas, estructuradas en torno a círculos concéntricos, muy innovadores para la época, insisten en el tema del cielo y el infierno y la caída.

C.Borrascosas

Cumbres Borrascosas
Emily Brontë
Siruela, 2010
Trad. Cristina Sánchez-Andrade
1ª Publicación: 1847

Porque Combres Borrascosas es exactamente eso, el relato de una caída, la caída de Catherine y Heathcliff, la caída como metáfora del enamoramiento romántico idealizado. Pero Catherine cae en el momento en que se separa de Heathcliff, de su yo alternativo, de su alter ego rebelde, de su anhelado látigo/Heathcliff, metáfora de la naturaleza, de su auténtico yo. Heathcliff y Catherine eran un todo, una entidad andrógina y juntos compartían su cielo/infierno, su particular Paraíso, hasta la caída, hasta el momento en que se separan, el momento en que Catherine entra en la adolescencia y se cree enamorada de Linton, cayendo así en el mundo de la sumisión y la cultura patriarcal. Porque Emily Brontë invierte los términos miltonianos, los reescribe, puesto que la caída de Catherine Earnshaw no va del cielo al infierno, sino al revés, del infierno al cielo. El cielo representa en la novela la Granja de los Tordos, propiedad de los Linton, mientras que el infierno es Cumbre Borrascosas, propiedad de los Earnshaw. Porque Catherine, al caer, comienza a asimilar y a resistirse al mismo tiempo a la idea de que el cielo, entendido también como la metáfora de lo convencional, del pensamiento dual y la cultura patriarcal, es algo que debe estar separado del infierno, el pensamiento no-dual.
Es en este sentido que Cumbres Borrascosas es mucho más que una simple historia de amor romántico o pasional, ambientada en los inhóspitos páramos de Yorkside, Inglaterra, para pasar al plano de lo metafísico y la subversión. Ciertamente, Cumbres Borrascosas, publicada en 1847 bajo el pseudónimo de Ellis Bell, es una novela victoriana, incluso gótica, pero sobretodo subversiva, que trata además de la orfandad, los orígenes de lo femenino, el porqué de la caída de la mujer y de su sumisión al mundo de la cultura, de la cultura patriarcal.
En Cumbres Borrascosas encontramos ya desde sus inicios confundidos el cielo y el infierno, la cultura y la naturaleza, el amor y el odio, la paz y la violencia. No hay separación. Los sentimientos de sus habitantes se expresan a través de las fuerzas de la naturaleza y se da rienda suelta a lo salvaje y a la libertad. Esa es la clave, no separar, porque todo forma parte de un todo (y curiosamente esa es la base del pensamiento no-dual, del pensamiento feminista). Es con la separación con lo que comienza la caída, la tempestividad y la agonía de Catherine y de Heathcliff, que se resisten pese a todo a ser separados, asimilados, para culminar con el triunfo de la cultura patriarcal, la cultura dual cristiana. Con el triunfo de lo convencional.

Autor reseña: Maite Mateos